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Looking at Music. Comparative perspectives

Olhares sobre a música - perspectivas comparadas

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Published on Thursday, January 07, 2021


The seminar series "Looking at Music. Comparative perspectives", organized by the Centre for Comparative Studies (CEC-FLUL), intends to constitute a space for debate and interdisciplinary reflection on music in its different aspects and in a comparative perspective. Studies about music have grown in the last decades and today are part of several departments and scientific fields. The plurality of looks on music and the analysis of its performative and discursive practices, introduced new analytical tools and distinct forms of interpretation. Intermediate studies, on the other hand, invite us to approach music in relation to other media and artistic forms, from visual arts to poetry. The cycle of seminars "Looking at Music. Comparative perspectives" proposes to examine various ways of interpreting music.


A regular activity of the Centro de Estudos Comparatistas, co-organized by CITCOM - "Citizenship, Critical Cosmopolitanism, Modernity/ies, (Post)Colonialism" & THELEME - "Interart and Intermedia Studies".


Marcos Cardão (CEC-FLUL) and Pénélope Patrix (CEC-FLUL). 


entrada livre / free entrance
access link
Meeting ID: 898 8928 4998
Password: 826069

The sessions will take place in Portuguese and/or English. Questions in Portuguese, French and Spanish are welcome, organizers will translate


15 jan. 2021, Music and confinement

14h30-16h (UTC+00)

  • João Pedro Cachopo,  The Rebirth of Opera from the Spirit of Social Distancing? Challenges, Opportunities, and Prospects for the Future

Due to the current pandemic and the demands of social distancing associated with it – be it under lockdown or in the so-called new normal – the performing arts are facing an unprecedented crisis. What in the course of the last century became a possibility – the recourse to audiovisual technologies of recording and transmission – has suddenly appeared as a necessity of sorts. In this paper, I claim that this crisis represents not only a challenge but also an opportunity for the performing arts. On the one hand, there is no denying that the new constraints have had a strong, indisputably negative impact on the field. On the other hand, they have also lent themselves to new explorations. In the context of this debate, the well-worn dichotomy between pro- and anti-technology discourses – opposing accolades of the brave new world of digital connectivity to laments on the loss of authenticity and presence – begs for a subtler perspective on the very relationship between art and technology. If the pandemic-driven crisis also represents an opportunity for the performing arts, this has less to do with the marvels of live streaming than with the way in which certain restrictions have fostered artistic imagination and reopened the debate on what it means to perform and create music, theater, and opera. In order to develop this idea, I will turn to a few operatic examples: from Yuval Sharon’s Twilight: Gods to Marina Abramovic’s Seven Deaths of Maria Callas to David Pountney and Alex Woolf’s A Feast in the Time of Plague.

João Pedro Cachopo teaches in the Department of Musicology at the Universidade Nova de Lisboa (NOVA/FCSH), where he coordinates the Critical Theory and Communication Research Group and the Opera Studies Cluster at the Centre for the Study of the Sociology and Aesthetics of Music (CESEM). His research interests span the fields of musicology, philosophy, and media studies with a focus on issues of intermediality, remediation, performance, spectatorship, and criticism. He is the author of A Torção dos Sentidos: Pandemia e Remediação Digital (Documenta, 2020) and Verdade e Enigma: Ensaio sobre o Pensamento Estético de Adorno (Vendaval, 2013), which received the First Book Award from the Portuguese PEN Club in 2014. He is also the co-editor of Rancière and Music (Edinburgh University Press, 2020), Estética e Política entre as Artes (Edições 70, 2017), and Pensamento Crítico Contemporâneo (Edições 70, 2014). His work has also appeared in international peer-reviewed journals such as The Opera Quarterly and New German Critique. ​

  • Héloïse Rouleau, The Practice of Music During Pandemic Times in Quebec

In March 2020, the World Health Organization described the COVID-19 outbreak as a global pandemic, calling for social distancing, quarantine and confinement. The health crisis disrupted the musical environment in unprecedented ways. The complete cessation of live concerts forced actors from the community to react, as citizens, but also as professionals whose working conditions became, for an indeterminate period, unequivocally transformed. The moment we are currently going through can therefore serve as a forum for reflection on the evolution of musical environments. The study of musical activities in Quebec allows us to take a first look at what happened during the first months of the pandemic, to see how the situation can help us rethink more broadly the practices of institutions, musicians, audiences and teachers who actively participate in musical ecosystems. This short presentation will provide initial insights into the innovative actions of institutions and musicians “entrepreneurs”, the production of Web content during quarantine, the mental health of musicians and their confined audiences, and the upheavals in music education. We will investigate in further details the activities of the musical community during the first months of quarantine. A few examples of content posted online will help us challenge questions of representation and engagement in the production of virtual music performances. Finally, we will address the mental state and well-being of musicians during this crisis, and the potential resiliency factors that allowed them to pursue their professional practice.

Héloïse Rouleau is a doctoral student in musicology at Université de Montréal, in co-tutorship with Université de Liège. After studying communications, she redirected her academic path in musicology, focusing mainly on hip-hop in francophone communities. Her master’s thesis investigates the mobilization of digital medias in the most recent renewal of Québec’s rap community, while her Ph. D. thesis focuses on a similar optimization of digital environments by the french-speaking rap community in Belgium. In addition to assisting the coordination of scientific activities at the Interdisciplinary Observatory for Music Research and Creation (OICRM), she takes part within several of its research unit, particularly working on the study of french music, as well as the study of online musical devices, which lead to the study of virtual practices during the pandemic.

15 de Março 2021, 14h30-16h Abordagens pós-coloniais / postcolonial approaches

  • Gláucia Nogueira (CES, ​U.Coimbra): "Músicas europeias na tradição cabo-verdiana: um caso de antropofagia cultural​"

Músicas e danças de salão que estavam em voga na Europa no século XIX, como a valsa, a polca, a schottische e a mazurca, penetraram em Cabo Verde e integraram-se, como em outras partes do mundo, nas práticas de entretenimento da população local. Num primeiro momento, nos salões da elite. Ao longo de décadas, à força de serem interpretadas pelos músicos que animavam os bailes da classe abastada mas que tocavam também em espaços populares, difundiram-se pelas ilhas, democratizando-se e cabo-verdianizando-se. Músicos anónimos, em geral autodidatas, assim como bandas municipais ou de corporações como polícia, exército e bombeiros tiveram um papel importante nesse processo. Apropriaram-se dessas expressões musicais europeias “antropofagicamente”, dando-lhes feição local. Analisa-se nesta comunicação a transformação de músicas de origem europeia numa tradição cabo-verdiana à luz das ideias de Michel de Certeau, Homi Bhabha e Marshall Sahlins, acerca de resultados de contatos coloniais, e do conceito de antropofagia cultural. Depois da independência de Cabo Verde, em 1975, verifica-se o reconhecimento público e oficial dessas expressões como itens do património cultural cabo-verdiano, no contexto de uma política de valorização das tradições populares.  Gláucia Nogueira é doutorada pelo Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra. Depois de graduações em comunicação social e em antropologia, dedica-se a estudos sobre o património cultural, com mestrado na Universidade de Cabo Verde (Património e Desenvolvimento) sobre o tema do batuku e doutorado na Universidade de Coimbra (Patrimónios de Influência Portuguesa), com a tese Músicas e dança europeias do século XIX em Cabo Verde: percurso de uma apropriação. Desde a década de 1990 tem trabalhado sobre a cultura cabo-verdiana, em particular a música. Neste âmbito, publicou: O Tempo de B.Léza. Documentos e memórias (IBNL, Praia, 2005; e-book epub, 2020); Notícias que Fazem a História. A Música de Cabo Verde pela Imprensa ao Longo do Século XX (edição da autora, Praia, 2007; e-book Kindle, 2020); Batuku de Cabo Verde. Percurso Histórico Musical (Pedro Cardoso Livraria, Praia, 2015); e Cabo Verde & a Música. Dicionário de Personagens (Campo da Comunicação, Lisboa, 2016). No momento, dedica-se à criação de Cabo Verde & a Música – Museu Virtual – http://www.caboverdeamusica.online

  • Bart Vanspauwen (INET-md, NOVA FCSH): "Um brinde à amizade. Crioulização e conciliação pós-colonial como estratégias de empreendedorismo musical lusófono"

À medida em que construções discursivas de campos musicais são usadas para exibir poder histórico em contextos dominados por discursos oficiais de diversidade, antigas conexões imperiais por vezes parecem informar novas produções culturais. Desde a Exposição Mundial em 1998 e a fundação da CPLP dois anos antes, a história transatlântica de Portugal e a sua subsequente diversidade cultural têm sido cada vez mais promovidas por órgãos políticos e económicos. Mas será que esta dinâmica foi reconhecida como tal pelos empreendedores socioculturais de base? Existem de facto contra-narrativas e práticas expressivas que representam as influências dos antigos territórios coloniais em Portugal, e caso que sim, que visibilidade é que as mesmas têm? Através do discurso e da performance de alguns agentes selecionados, analiso a governança da ‘lusofonia musical’ como parte integrante da história e da identidade de Portugal.  

Bart Vanspauwen é investigador de pós-doutoramento no Instituto de Etnomusicologia - Centro de Estudos em Música e Dança (INET-md) da Universidade NOVA de Lisboa (NOVA). Doutoramento e mestrado em Etnomusicologia na NOVA, pós-graduação em Estudos Culturais com ênfase em Antropologia Pós-colonial, e Bacharelado em Artes com foco em Literatura Comparada na Katholieke Universiteit Leuven (Bélgica). Realizou pesquisas na University of Illinois at Urbana-Champaign, na Universidade Federal de Minas Gerais e na Fundação Calouste Gulbenkian, e pesquisas de campo em Recife, Maputo e Lisboa. Ultimamente, tem trabalhado o tema de postcolonial cultural branding na TAP Air Portugal.

12 de Maio (quarta-feira), 14h30 às 16h Música & arquivos / Music & Archives

  • Bárbara Carvalho (CESEM - Nova FCSH) “Why are so many Silent Film Modern Releases Full of CheapMusic”: música, cinema mudo e arquivo na era digital

O cinema mudo tem vindo a ocupar um espaço cada vez mais proeminente no panorama do restauro, da divulgação e da programação cultural de diversas salas, com diversas configurações públicas e modos de apropriação no momento de disseminação nos meios virtuais. Nos últimos anos, pela mão de arquivos como o British Film Institute, o Danish Film Institute, a Cinemateca Portuguesa, a Cineteca di Bologna, entre outros, muitos filmes do chamado pré-cinema e da era do cinema narrativo têm tido um maior destaque ao nível do restauro fílmico. Num movimento mais alargado que conjuga os esforços de digitalização e recuperação dos arquivos fílmicos ao interesse no estudo das primeiras décadas do cinema, surgem ainda como actores as plataformas de streaming (como a Criterion Channel) e as salas de espectáculo. A área dos film music studies tem igualmente contado com diversos contributos que têm procurado não restringir a investigação à história cultural da música no cinema mudo, mas também fomentar a que, ao debate e edição comercial de diversos filmes, se junte a música, seja esta original de época, encomendada ou resulte da prática da compilação de música pré-existente. Esta realidade de revivalismo da era muda traz novas perspectivas a discussões não tão recentes, desde logo a dicotomia original vs. cópia; noções de autenticidade, arquivo e comercialização; e o lugar do digital e da internet na sua relação com a edição “fidedigna,” com as especificidades do evento cinematográfico e com a circulação de versões personalizadas pelos utilizadores. Tomando este conceito de evento cinematográfico, de Rick Altman, e o mote “today’s sounds for yesterday’s films,” de Donnelly e Wallengren, proponho recuperar algumas destas discussões para as repensar a partir do lugar da música.

Bárbara Carvalhoé doutoranda em musicologia na NOVA FCSH e bolseira de doutoramento FCT (SFRH/BD/143976/2019), onde desenvolve uma tese sobre música e cinema mudo português. É licenciada em musicologia pela mesma instituição. É membro integrado do Centro de Estudos de Sociologia e Estética Musical, onde integra o Grupo de Teoria Crítica e Comunicação. Actualmente, é responsável pela edição da música de Armando Leça para os filmes A Rosa do Adro(1919), Os Fidalgos da Casa Mourisca (1920) e Amor de Perdição (1921), de Georges Pallu, num projecto de restauro e edição em DVD entre a Cinemateca Portuguesa, a Orquestra Metropolitana de Lisboa e a NOVA FCSH.​

  •  João Fernandes (Musidanse - U. Paris 8) A improvisação musical e audiovisual e a apropriação de repositórios de imagens e sons: perspectivas de artistas

Perguntas e repostas com a participação de Loïse Bulot e Nicolò Terrasi​ 

A prática da improvisação pode ser caracterizada pelas suas duas fases de construção: a primeira consiste na aquisição da técnica necessária para a apropriação do material a usar posteriormente na segunda fase - a performance. A primeira fase é múltipla: dependendo das disciplinas artísticas pode consistir na preparação dos materiais, na preparação corporal, no aperfeiçoamento de uma técnica instrumental, na construção de um instrumento digital, etc. A segunda fase – a performance - consiste na geração  e desenvolvimento em tempo real de gestos artísticos sem concertação prévia. Será, a partir da interpretação do contexto onde se realiza a performance que as ideias se formarão e evoluirão.

Nesta apresentação pretendo analisar estas duas fases da improvisação quando os artistas utilizam materiais pré-existentes. Em particular, exporei alguns casos práticos de utilização, por parte dos  improvisadores Loïse Bulot (desenho, colagem), Nicolo Terrasi (guitarra) e João Fernandes (eletroacústica, paisagens sonoras), de repositórios de imagens e sons criados por outros artistas. Pretendo mostrar como os artistas trabalham o material; como este material condiciona os artistas na sua performance e qual a liberdade existente segundo as ferramentas utilizadas; e finalmente qual a relação entre o trabalho realizado sobre o material antes e durante a performance.

João Fernandes é doutor em Esthétique, Science et Technologie des Arts - spécialité Musique pela universidade Paris 8 sob a orientação de Makis Solomos. A sua investigação centra-se na improvisação musical e nas novas tecnologias.  Paralelamente às suas actividades académicas, é compositor e improvisador principalmente de música electroacústica e mista. As suas obras têm sido tocadas em vários países. Desde 2010 produz-se com os grupos de improvisação electroacústica Unmapped, Electrologues e desde 2016, o grande ensemble de improvisação Grand 8.

Artista plástica e compositora, Loïse Bulot explora um universo onírico através das artes plásticas, da música e da performance. As suas obras exploram mundos fantásticos, microscópicos e vivos. Os seus desenhos, colagens e instalações luminosas formam microcosmos, arquitecturas vivas habitadas por criaturas estranhas. As suas práticas reúnem-se na performance ou nas suas criações visuais e musicais por vezes acompanhadas de partituras gráficas. Desde 2015, ela cria espetáculos para o grande público com Nicolò Terrasi na Companhia Risonanze.

Formado em guitarra clássica no Conservatório de Palermo, Nicolò Terrasi desenvolveu uma experiência de pesquisa e criação na música popular siciliana. Ele realiza música para filmes documentários, teatro e imagem (instalações e exposições) e formou-se em música eletroacústica em Marselha. É compositor de música acusmática, instrumental, mista e pratica igualmente a improvisação livre.



  • Lisbon, Portugal


  • Friday, January 15, 2021
  • Monday, March 15, 2021
  • Wednesday, May 12, 2021


  • musique, société, intermédialité, pandémie, archives, post-colonial, patrimoines / music, society, intermediality, pandemic, archives, postcolonial, heritages / música, sociedade, intermedialidade, pandemia, arquivos, pós-colonial, patrimonios


  • pénélope patrix
    courriel : ppatrix [at] letras [dot] ulisboa [dot] pt

Information source

  • pénélope patrix
    courriel : ppatrix [at] letras [dot] ulisboa [dot] pt


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To cite this announcement

« Looking at Music. Comparative perspectives », Seminar, Calenda, Published on Thursday, January 07, 2021, https://doi.org/10.58079/15rn

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